foto lienzo Isabella,Viscountess Molyneux

En la efervescente Inglaterra del siglo XVIII, donde la demanda de retratos por parte de la ascendente burguesía y la aristocracia marcaba el pulso del arte, Thomas Gainsborough emergió con una voz singular. No buscaba la grandilocuencia ni la idealización clásica que otros, como Sir Joshua Reynolds, perseguían con ahínco. Su pincel, ligero y casi etéreo, se inclinaba por una naturalidad y una fluidez que lo hacían inconfundible, capturando no solo la semejanza física, sino también la esencia y la atmósfera del momento. Gainsborough tenía una habilidad particular para integrar a sus modelos en paisajes vibrantes, que en sí mismos eran obras de arte. Pensemos en "Mr. y Mrs. Andrews", una pieza que es tanto un retrato de una pareja acomodada como una celebración del idílico paisaje rural inglés. Esta obra, temprana en su carrera, ya mostraba su maestría para fusionar la figura humana con el entorno natural, creando una escena que invita a la conversación y a la contemplación. A pesar de que sus retratos le granjearon fortuna y una considerable fama, como el icónico "El muchacho azul", su corazón latía con más fuerza por la pintura de paisajes. Se cuenta que a menudo se sentía frustrado por las exigencias de sus clientes, llegando a exclamar: "Estoy harto de los retratos, y desearía mucho coger mi viola de gamba y marcharme a algún dulce pueblo, donde pueda pintar paisajes y disfrutar del final de mi vida en paz y ser feliz." Este anhelo por la libertad creativa, junto a su amor por la música —incluso inventó sus propios instrumentos—, nos revela a un artista de espíritu inquieto, que buscaba la armonía tanto en la paleta como en la melodía. Su obra se enmarca dentro del Rococó británico y la Escuela inglesa de pintura, pero Gainsborough infundió a estos movimientos una gracia y una espontaneidad que pocos igualaron. Su técnica, predominantemente el óleo sobre lienzo, se distinguía por una pincelada suelta y vibrante, que anticipaba sensibilidades posteriores. Hoy, sus lienzos se valoran no solo por su belleza, sino por la humanidad y la sensibilidad con la que capturó a sus sujetos y los paisajes que tanto amó, dejando una huella imborrable en la historia del arte británico.

Isabella Stanhope posó para Gainsborough a principios de 1769 poco después de su matrimonio con el vizconde Molyneux. El artista acababa de ser elegido miembro de la Royal Academy de Londres, y este trabajo, enviado poco después de su exhibición por primera vez, sin duda representa un esfuerzo deliberado para impresionar al público de Londres. La figura tiene un equilibrio excelente y el juego de luces y sombras en la superficie satinada del vestido es un milagro de la pintura virtuosa. Poco después, su marido se hizo conde de Sefton. Este retrato estuvo colgado en la sede de Seftons ', Croxteth Hall, cerca de Liverpool, durante dos siglos, hasta su adquisición por el Walker Art Gallery.

El Rococó es un movimiento artístico nacido en Francia, que se desarrolla de forma progresiva entre aproximadamente los años 1730 y 1760. El rococó es definido como un arte individualista, antiformalista y cortesano. Se caracteriza por el gusto por los colores luminosos, suaves y claros. Predominan las formas inspiradas en la naturaleza, la mitología, la belleza de los cuerpos desnudos, el arte oriental y especialmente en los temas galantes y amorosos. Es un arte básicamente mundano, sin influencias religiosas, que trata temas de la vida diaria y las relaciones humanas, un estilo que busca reflejar lo que es agradable, refinado, exótico y sensual.

Ha sido el soporte favorito desde el Renacimiento hasta nuestros días, por su facilidad para el transporte y almacenaje y óptima conservación. La tela evita las molestas y antiestéticas grietas que a menudo afloran en la madera debido a oscilaciones térmicas o de humedad, y permite la realización de pinturas de mayores dimensiones. Además, muchos artistas aprovechan la trama del tejido para crear efectos expresivos particulares. Los lienzos suelen exhibir un aspecto más mate que la pintura sobre tabla, aunque muchas veces esto se mitiga con la aplicación de barnices como acabado final. Las telas más utilizadas para pintar son el lino, la arpillera y el algodón. Los artistas venecianos de final del siglo XV fueron los primeros que utilizaron el lienzo libre montado sobre un armazón. La tela alcanzó su máximo esplendor como soporte en el siglo XIX con los impresionistas, cuando se comenzó a extender la pintura al aire libre y se hicieron necesarios soportes más ligeros y fáciles de transportar. HISTORIA Sobre tela se pintó ya en la Antigüedad, como atestigua la referencia de Plinio el Viejo a un retrato de Nerón ejecutado sobre una tela de más de treinta metros. No obstante, se conservan pocas pinturas sobre lienzo anteriores al siglo XIV, tanto por ser más escasas, como por el hecho de que se pintaba sobre tela temas profanos, como banderas o decoraciones festivas, lo que determina que no se conservasen. Uno de los óleos sobre lienzo más antiguos que se ha conservado es el cuadro francés Virgen con ángeles, datado alrededor de 1410 que se conserva en la Gemäldegalerie de Berlín, lo que es también una fecha muy temprana para una pintura al óleo. Sin embargo, la pintura sobre tabla siguió siendo más habitual hasta el siglo XVI en Italia y el XVII en el Norte de Europa. Mantegna y los artistas venecianos estuvieron entre los que lideraron el cambio. Tenían a su disposición lienzo de velas venecianas y se consideraban de la mejor calidad. A partir del Renacimiento, se generalizó el uso de este soporte, que puede considerarse el de más éxito en la historia de la pintura. En lugares como la Venecia del siglo XVI, el lienzo aventajó al fresco por ser más resistente al frío y la humedad del invierno. Pero la principal ventaja comparativa del lienzo frente a los dos soportes anteriores en el tiempo (el muro y la tabla) es su liviandad, que permite transportarlo fácilmente y lograr grandes formatos con soportes más ligeros. De esta manera, se expandió su comercialización. También permitió que el arte de la pintura se convirtiera en botín de guerra, como ocurrió con la toma del castillo de Praga por los suecos en 1648, en el curso de la Guerra de los Treinta Años o los saqueos de pintura italiana por los ejércitos napoleónicos. Sigue siendo el soporte más utilizado para el óleo y los acrílicos, si bien con tratamientos diferentes a los tradicionales.