foto lienzo Helen Traído a París

Benjamin West, nacido en la Pensilvania colonial en 1738, fue un artista que tendió puentes entre mundos. Su obra se sitúa en la encrucijada del Neoclasicismo y los primeros destellos del Romanticismo, un período de efervescencia donde los ideales ilustrados comenzaban a ceder paso a una nueva sensibilidad. Lo que hace a Benjamin West singular es su audacia para desafiar las convenciones. Mientras la pintura de historia se aferraba a la vestimenta clásica para narrar eventos pasados, él se atrevió a vestir a sus personajes con atuendos contemporáneos. Su obra cumbre, 'La muerte del general Wolfe' (1770), es el epítome de esta innovación. Representar a los soldados con sus uniformes del siglo XVIII fue un gesto que, aunque escandalizó a algunos, fue defendido con vehemencia por su mecenas, el rey Jorge III, quien comprendió su impacto dramático y su veracidad histórica. Más allá de esta obra, Benjamin West exploró un amplio espectro de composiciones narrativas. Su 'Tratado de Penn con los indios' (1771-1772) no solo aborda un tema americano con una dignidad casi mítica, sino que también revela su interés por la representación de la historia de su tierra natal. También se adentró en la pintura religiosa y mitológica, siempre buscando la claridad narrativa y la resonancia emocional. Su influencia se extendió como presidente de la Royal Academy durante casi tres décadas, formando a una generación de artistas, muchos de ellos americanos, que buscaban perfeccionar su arte en el corazón del imperio. Se cuenta que, al ver por primera vez el Apolo Belvedere en Roma, Benjamin West exclamó: "¡Parece un guerrero mohawk!". Esta anécdota, aunque quizás apócrifa, ilustra la mente de un hombre que siempre buscó conectar lo clásico con lo propio, lo universal con lo particular. Su legado hoy se valora por su capacidad para capturar el espíritu de una época de cambio y por su papel fundamental en la evolución de la pintura de historia. El rey Jorge III, al ver su audacia en la 'Muerte del general Wolfe', le dijo: "Le felicito por su valentía al romper las reglas del arte."

Ukiyo-e, "pinturas del mundo flotante" o estampa japonesa. Es un género de grabados (realizados mediante xilografía o técnica de grabado en madera) producidos en Japón entre los siglos XVII y XX, entre los que se encuentran imágenes paisajísticas, del teatro y de zonas de alterne. Ukiyo, hace referencia a la impetuosa cultura chonin que tuvo auge en los centros urbanos de Edo(actualmente Tokio), Osaka, y Kioto y que era un mundo dentro de sí. Es una alusión irónica al término homónimo "Mundo Doloroso", el plano terrenal de muerte y renacimiento en el que se basa la religión budista. Esta forma de arte alcanzó su mayor grado de popularidad en la cultura metropolitana de Edo durante la segunda mitad del siglo XVII, originándose con los trabajos de un solo color de Hishikawa Moronobu en la década de 1670. En un principio, solo se utilizaba tinta india, y luego algunos impresos eran coloreados de forma manual con pinceles, pero en el siglo XVIII Suzuki Harunobu desarrolló una técnica de impresión polícroma para producir nishiki-e. El Ukiyo-e era accesible dado que podía ser producido de forma masiva. Eran en su mayoría adquiridos por habitantes que por lo general no tenían el dinero suficiente como para comprar una pintura original. El tema original de los ukiyo-e era la vida de la ciudad, particularmente actividades y escenas de lugares de entretenimiento. Cortesanas hermosas, robustos luchadores de sumo y actores populares eran representados realizando actividades atractivas. Más adelante los retratos paisajistas se hicieron populares, y los temas políticos e imágenes sobre individuos de los estratos bajos de la sociedad fueron prohibidos volviéndose temas que raramente eran elaborados. El sexo fue también un tema prohibido, pero aparecía de forma continua en los impresos ukiyo-e. Algunos artistas y editoriales fueron sancionados por crear impresos ukiyo-e con escenas de sexo explícito, también conocidos como shunga.